ANISSIMOS -ISMAILOVA-VENTRIS : SHOSTACOVICH : LADY MACBETH EN EL DISTRITO DE MTSENSK POR RITA AMODEI

Dmitri Shostakovich (1906-1975): Lady Macbeth of Mtsensk, Opera in 4 Atti ispirata all'omonimo racconto di Nikolaj Leskov. Libretto di Alexander Preis e Dmitri Shostakovich (1934).

Prima parte:

Atto I°
Atto II°
Atto III° (Scena 6)

Katerina Ismailova: Nadine Secunde
Sergey: Christopher Ventris
Boris Ismailov: Anatoli Kotcherga
Zinoviy Ismailov: Francesco vas
Shabby Paesant: Graham Clark
Aksinya: Mireille Capelle
Sonyetka: Nino Suguladze.

Symphony Orchestra and Chorus of the Gran Teatre de Liceu
Chamber Chorus of the Palau de la Musica Catalana
diretti da Alexander Anissimov.

ALBAN BERG : LULU POR RITA AMODEI DIRECTORA

Alban Berg (1885-1935): Lulu, Opera in 3 Atti (incompiuta) su libretto proprio tratto dalla fusione dei racconti l'Erdgeist (Lo spirito della terra) e da Die Büchse der Pandora (Il vaso di Pandora) di Frank Wedekind (1928/1935).

Lulu: Laura Aikin
Countess Geschwitz: Cornelia Kallisch
Medical Specialist: Peter Keller
Painter: Steve Davislim
Dr. Schön: Alfred Muff
Alwa: Peter Straka
Schigolch: Guido Götzen
Schoolboy: Andrea Bönig
Dresser: Katharina Peetz
Animal Trainer/Acrobat: Rolf Haunstein
Prince/Manservant: Martin Zysset
Theatre Director: Werner Gröschel
Child: Lynn Lange

Chorus and Orchestra of the Zurich Opera House
Direttore: Franz Welser-Möst

SOLTI-SASS-KOVATS : BELA BARTOK : EL CASTILLO DE BARBA AZUL POR RITA AMODEI

GIAN CARLO MENOTTI . EL TELEFONO POR RITA AMODEI

The telephone de Gian Carlo Menotti
Opéra bouffe en un acte
Lucy, Marci Meth
Ben, Geoffroy Heurard
Piano, Mami Kino

JORDI SAVALL Y HESPERION XXI - EUROPA MUSICAL 1600-1650 POR RITA AMODEI

MIA PERSSON . BENJAMIN BRITTEM : OTRA VUELTA DE TUERCA POR RITA AMODEI

Benjamin Britten (1913-1976): The turn of the Screw, Opera in un Prologo e due Atti su libretto di Myfanwy Piper tratto dall'omonimo racconto di Henry James (1954).

Secondo Atto:

Peter Quint: Toby Spencer
The Governess: Mia Persson
Flora: Joanna Songi
Miles: Thomas Parfitt
Mrs. Grose: Susan Bickley
Miss Jessel: Giselle Allen

London Philharmonic Orchestra
Direttore: Jakub Hrůša

MIA PERSSON .BENJAMIN BRITTEN : OTRA VUELTA DE TUERCA POR RITA AMODEI

Benjamin Britten (1913-1976): The turn of the Screw, Opera in un Prologo e due Atti su libretto di Myfanwy Piper tratto dall'omonimo racconto di Henry James (1954).

Secondo Atto:

Peter Quint: Toby Spencer
The Governess: Mia Persson
Flora: Joanna Songi
Miles: Thomas Parfitt
Mrs. Grose: Susan Bickley
Miss Jessel: Giselle Allen

London Philharmonic Orchestra
Direttore: Jakub Hrůša

The Turn of the Screw, traducida al español como Otra vuelta de tuerca, y también como La vuelta de tuerca o Vuelta de tuerca, es una novela de Henry James. Se publicó en 1898


Una institutriz acude al cuidado de dos niños en una vetusta mansión victoriana. Lo que en principio parece un cometido agradable derivará en una situación de pesadilla. Los niños viven impactados por un pasado inmediato en el que la anterior institutriz, la señorita Jessel, y Peter Quint, el criado y ayudante de cámara del patrón (el tío de los niños) mantenían una turbia relación. Se podría suponer; de ciertos abusos. La vida junto a la institutriz y su muerte posterior han dejado en ellos una huella indeleble. La novela se desarrolla en un ambiente de latente angustia por la presencia de ánimas.

La protagonista de la historia, al tratar de ayudar a los niños, comienza a percibir las apariciones de los fantasmas de la anterior institutriz, muerta en extrañas circunstancias, y del criado.

Posibles interpretacionesEl aspecto que distingue a "Otra vuelta de tuerca", y la convierte en la historia de fantasmas que marca un antes y un después en dicho género, es la posibilidad de la doble lectura y la forma ambivalente en que fue ideada y escrita. La posibilidad de la existencia en sí de fantasmas en la historia, puede ser interpretada de, por lo menos, dos formas diferentes.

El elemento que brinda esta ambivalencia de lecturas es la institutriz (traducido como "la que manda", "preceptora") quien precisamente "nos conduce" hacia y dentro de la historia. Es menester comprender que la historia no sería posible de no ser por la institutriz; única voz narradora (a excepción del inicio de la novela) mediante la cual podemos conocer los hechos bajo su único punto de vista e interpretación. Es la institutriz la que narra los hechos, la que nos convence (o no) de las apariciones y, de alguna manera; la que las crea de la nada.

Llegados a este punto, los fantasmas ¿existen, se manifiestan, existen dentro o fuera de la cabeza de la institutriz, no existen? La respuesta sería afirmativa y negativa a la vez.

Por un lado, podríamos decir que los fantasmas tienden a existir. Guiándonos por la única voz narrativa que tenemos (la de la institutriz), concluiríamos, a simple vista, que los fantasmas existen de cualquier manera, dentro y fuera de ella. La institutriz ve las apariciones, y no duda en suponer y afirmar que el resto de los personajes (los niños y el ama de llaves) también están al tanto de las apariciones pero, por represiones y trastornos emocionales, intentan disimular su angustia interna. La institutriz, en resumen, supone que los niños saben de los fantasmas, los ven, pero quieren convencerla a ella de que no ven nada.

Paralelamente a esto, y realizando "otra vuelta de tuerca", podemos decir que los fantasmas no existen fuera, sino que existen solamente dentro de la cabeza atormentada de la institutriz. Serían, según esta forma de lectura, un mero producto de la imaginación de la mujer. Ésta supone, equivocadamente (según esta posible interpretación), que los niños ven y saben de los fantasmas, pero hacen lo posible por exteriorizar lo contrario. Sin embargo, los niños no ven ni saben nada de los fantasmas y todo sería, al final, una creación, una trama de suposiciones y paranoia de la institutriz que, en cierto modo, termina siendo la única que efectivamente experimenta y visualiza las apariciones fantasmales (podría decirse que ella sufre serias perturbaciones mentales). Existirían cinco argumentos para defender esta tesis:

1.- La institutriz muestra ciertas tensiones incluso antes de llegar a la mansión de Bly, a causa de la diferencia social.

2.- El hecho de que ella había quedado realmente impresionada -se podría decir enamorada- del patrón (tío de los niños). Sin embargo, éste le dijo contundentemente que no le podía contactar por ningún motivo (es como un hacha cortante).

3.- En la historia menciona que ella era hija de un padre anglicano. Ya nos imaginamos cómo ha de haber sido cuidada en su infancia. Ella ha de tener cierta presión, porque en esa época no se espera nada desagradable de una familia así.

4.- Ella está preocupada por si se llevará bien con las personas de la casa.

5.- El hecho de que ella, unos días después de llegar a la mansión, reciba una carta del director para el patrón. Sin embargo, el patrón se la da a ella y le vuelva a recalcar el hecho de que no le pida ayuda, ni le consulte en nada. Esta carta contenía la información sobre el niño Miles, mencionando que el niño es una afrenta para los demás y por esto es expulsado.


En cierto modo, la capacidad interminable de "Otra vuelta de tuerca", hace posible interpretar, reinterpretar y acomodar todo de acuerdo a cada forma de ver.

La institutriz: es la persona contratada para cuidar a los niños, cuyo nombre no se menciona en toda la obra.
Miles: es un niño de diez años que fue expulsado del colegio porque contaba historias de terror a sus compañeros y de ese modo llegaron hasta los profesores.
Flora: hermana de Miles, tiene seis años y aún no está en el colegio.
La señorita Jessel: es la fallecida institutriz que mantiene una amistad con Flora.
Quint: es el fallecido chófer y ayudante personal del señor enviado al campo por presuntos problemas de salud.
La señora Grose: ama de llaves de la casa y cómplice y amiga de la institutriz.
Douglas: hombre que recibió el manuscrito de la institutriz.

GWYNETH JONES - ELIZABETH CONNELL : RICHARD STRAUSS : ELECTRA POR RITA AMODEI

Elektra: Gwyneth Jones
Chrysothemis: Elizabeth Connell
Klytämnestra: Leonie Rysanek
Orest: Simon Estes
Aegisth: James King

conductor: Marek Janowski


Antecedentes.- A su regreso de la guerra de Troya, Agamemnon fue recibido con falso afecto por su esposa Klytämnestra (Clitemnestra), que lo condujo a los baños para que reposara en el agua. Allí fue muerto a traición por Agysth (Egisto), hombrecillo miserable y cobarde que se había convertido en amante de Klytämnestra durante su larga ausencia. Las hijas de Agamemnon (Agamenón), Elektra (Electra) y Chrysothemis (Crisotemis), asistieron horrorizadas e impotentes a la entronización del asesino. Pero en la sociedad griega no estaba previsto que una mujer tomara iniciativas de venganza, y como hacía años que faltaba del palacio su hermano Orest (Orestes), las dos hermanas se vieron reducidas a una enervante espera, a la posibilidad de que algún día Orest (Orestes) regresara e hiciera justicia. Chrysothemis (Crisotemis), más acomodaticia, vivía en el palacio y aguantaba la situación; Elektra, furiosa, se negaba a vivir bajo el mismo techo y se alojaba en cualquier rincón del exterior del palacio.


ACTO ÚNICO.- En un patio interior del palacio de Agamenón en Micenas. regido ahora por su viuda Clitemnestra y su amante Egisto, cinco sirvientas están sacando agua de un pozo. Cuatro de ellas hablan de la degradada situación de Electra, sus obsesiones y su odioso comportamiento hacia ella; cuando la quinta criada habla en favor de Electra, es enviada a la celadora, y pronto se oyen los gritos de la muchacha al ser castigada. Se marchan las sirvientas, y aparece Electra, saliendo del palacio. Invoca el espíritu de su padre para vengar su asesinato, y recuerda todo lo ocurrido. Insiste en la profecía que señalaba que el momento de la venganza está próximo, que correrá la sangre y que ella, su hermano y su hermana bailarán celebrándola.

Entra Crisotemis y dice a Electra que Clitemnestra y Egisto piensa confinar a Electra en una torre. Ella confía a Crisotemis sus deseos y sus temores, que encienden su pecho, y, sobre todo, su deseo de casarse y tener hijos. Los sones que llegan del interior del palacio indican que Clitemnestra va a salir, y Crisotemis sale rápidamente para no ser vista por la reina.

A través de las ventanas del palacio se ve un cortejo de sirvientes, sacerdotes y prisioneros; finalmente aparece Clitemnestra, cetrina, abotargada, recargada de joyas y adornos. Lanza una mirada de odio a su hija, y se queja de ella ante sus acompañantes. Después, baja hasta el patio y pregunta a Electra qué remedio habría para alejar el horroroso sueño que la tortura; tal vez un sacrificio acabaría con él. Y Electra le responde afirmativamente, pero que habría de ser un sacrificio muy especial. Clitemnestra le exige, agriamente, que le dé detalles: ¿A quién o qué habría que matar? ¿Cuándo? ¿Dónde? ¿Quién sería el encargado de hacerlo? Electra dice entonces que habría de ser un sacrificio humano, de una mujer casada, ejecutada por alguien de su propia familia. El significado es claro, pero Clitemnestra no se apercibe de ello. Electra habla de su hermano, cuyo nombre no se puede pronunciar; sabe que su madre ha tratado de que le den muerte, y vive aterrorizada temiendo la venganza por la muerte de Agamenón.

Finalmente Electra sale de la oscuridad y se dirige hacia su madre y violentamente le dice que ella, Clitemnestra, debe ser la vfctima, que será perseguida por su propio hijo y que éste le dará muerte. Clitemnestra está aterrorizada, pero se hace la luz en el palacio y llega el Confidente, seguido de las sirvientas. Transmite a la reina un mensaje al oído, do, lo que hace estallar en carcajadas a Clitemnestra, que, con aire de triunfo, entra en el palacio. Sale ahora Crisotemis y comunica a Electra las noticias: dicen que Orestes ha muerto. Electra no lo cree. Aparece un criado pidiendo un caballo: tiene que llevar la grata noticia a Egisto. Ahora Electra dice a Crisotemis, que deben llevar adelante la venganza por la muerte del padre; para ello, Electra tomará el hacha con la que dieron muerte a Agamenón.

Alaba la fuerza y juventud de su hermana e intenta halagarla para conseguir su ayuda, pero Crisotemis la rehuye y se marcha. Electra la maldice.

A solas, Electra empieza a excavar febrilmente en el patio. Aparece un hombre; Electra le pregunta qué quiere y él le responde que ha de ver a la reina para comunicarle la muerte de Orestes. Electra reacciona con un amargo lamento. El hombre se alarma ante esta reacción y le pregunta quién es ella; al saberlo, él le dice que Orestes vive; los sirvientes salen de palacio y le saludan: "Los perros del patio me reconocen, dice él, pero no mi propia hermana."

Electra se abalanza hacia Orestes llena de ternura, pero éste no deja que lo abrace, avergonzado del deplorable estado en que se encuentra, en expiación por el asesinato de su padre. Los dos hermanos deciden ahora que debe cumplir la venganza y Electra habla de entregar a Orestes el hacha. Ahora se une a ellos el tutor de Orestes y les anima a llevar a cabo el acto para el que han venido.

Aparecen en escena un criado y la Confidente e invitan a los dos hombres a entrar en el palacio, lo que éstos hacen, dejando a Electra en el patio, presa de gran excitación. Ella comprueba que el hacha sigue escondida. Pero entonces, desde el palacio llega un grito agudo, y después otro. Crisotemis y los criados llegan corriendo, llenos de terror y llamando a Egisto; después vuelven al palacio. Entra Egisto y pide luces, habla brevemente con Electra; nota el cambio que se produce en ella cuando toma la antorcha que le alumbrará en su camino hacia el palacio. Un momento más tarde se oye un grito. Crisotemis y las mujeres vuelven a salir corriendo. Electra irrumpe en escena con una alocada y menádica danza de triunfo; al final, cae muerta, en un colosal clima de demencial alegría. Crisotemis, que la ha estado viendo, se abalanza hacia la puerta y la golpea, gritando: "¡Orestes!".

BALLET DEL TEATRO BOLSHOI DE MOSCU . A .KHATURIAN .SPARTACUS POR RITA AMODEI

MARTHA ARGERICH ..TCHAICOVSKY : CONCIERTO Nº 1 PARA PIANO Y ORQUESTA POR RITA AMODEI

Tiene su historia esta obra, pues cuando Tchaikovsky tocó el primer movimiento frente a su amigo y mentor Nicolai Rubinstein con la esperanza de conseguir su aprobación, la reacción del fundador del conservatorio de Moscú fue demoledora. Rubinstein afirmó que estaba “escrita de forma incompetente” y exigió a Tchaikovsky una serie de cambios si quería que él la tocara. Lejos de ceder, el compositor se negó en redondo y buscó a otro pianista para el estreno. Poco después Rubinstein interpretaba el concierto por toda Europa y suplicaba a Tchaikovsky que le confiara la première del siguiente. Así lo hizo, pero Rubinstein murió antes del estreno.
El Concierto número 1 para piano y orquesta destaca por la originalidad de su lenguaje, que se aleja del convencionalismo imperante en la Rusia de la época y explora la vertiente más personal de su talento como compositor. Aunque el marcado carácter sinfónico de la partitura y su gran intensidad dramática llaman poderosamente la atención, no son un reflejo de los sentimientos del artista quien, por entonces, disfrutaba de unos años felices en su vida. Tchaikovsky consigue transmitir esa impactante sensación a través de la relación que establece entere instrumento solista y la orquesta. Mientras que en otros conciertos ésta última se limita a acompañar al piano, aquí ambos chocan frontalmente, como si pelearan por llevar las riendas del discurso musical.
La obra arranca con una impetuosa y larga introducción (106 compases) que se desarrolla en torno a una de las más reconocibles melodías de todo el repertorio clásico. Al parecer, Tchaikovsky se la escuchó tocar a unos músicos callejeros ciegos en la ciudad ucraniana de Kamenka, cerca de Kiev. Se trata, sin duda, del pasaje más célebre de la obra y, aunque no reaparece de la misma forma en ningún otro momento, encierra en sus dramáticas y apasionadas notas todo el material melódico que el compositor irá desarrollando a lo largo del concierto apoyándose en distintas tonadas muy populares en la época. Esta conexión entre toda la obra no es, sin embargo, evidente y sólo un análisis muy pormenorizado de la partitura ha revelado estos secretos.
El resto del movimiento, escrito siguiendo el esquema de la sonata, gira en torno a dos nuevos temas, uno de ellos procedente del folclore ucraniano y el otro de raíces netamente románticas. Entre ambos confieren a la batalla entre la orquesta y el piano todo su dramatismo y apasionamiento, pero la tradicional angustia de otras obras de Tchaikovsky nunca hace acto de presencia. Muy al contrario, la estructura juega con bastante libertad a contraponer casi improvisadamente secciones lentas y rápidas con el objetivo de crear un efectismo que suprime cualquier posible sentimentalismo en el espíritu de la música. Hay mucha teatralidad, pero nada de tragedia.
Toda la grandilocuente energía desplegada en el primer movimiento, se transforma en este segundo en dulce tranquilidad. Una flauta abre el primer pasaje con la tierna melodía principal, que domina todo el movimiento, otorgándole un carácter nostálgico que contrasta con el apasionamiento anterior. El toque optimista corre a cargo de una bailable canción popular francesa de la época, apropiadamente titulada Il faut s’amuser, danser et rire (“Hay que divertirse, bailar y reírse”) cuya melodía es citada en la sección intermedia del movimiento. Finalmente, en la recapitulación, resurge la melodía principal, que cierra el movimiento con un lirismo casi nostálgico, en fuerte oposición a la alegría anterior.
Las referencias populares que salpicaban los dos primeros movimientos no hacen sino acrecentarse en el tercero. El movimiento se inicia con una galopante danza tradicional ucraniana a la primavera a la que sucede un tema estrechamente vinculado a una canción tradicional rusa. Como contraste, un tercer tema, nuevamente romántico y esta vez con un importante componente lírico. La complejidad y espectacularidad de este tercer movimiento nos devuelve al principio del concierto, cerrando así el círculo de una obra genial, tan breve (poco más de treinta minutos) como intensa, plagada de detalles e inmensamente entretenida.

DECLARACION DE LA UNESCO : 21 DE MARZO DIA INTERNACIONAL DE LA POESIA HOMENAJE A PABLO NERUDA POR RITA AMODEI

Poema en audio: El poeta se despide de los pájaros de Pablo Neruda por Pablo Neruda



Poema en audio: Arte poética de Pablo Neruda por Pablo Neruda



El poeta se despide de los pájaros



Poeta provinciano,
pajarero,
vengo y voy por el mundo,
desarmado,
sin otrosí, silbando,
sometido
al sol y su certeza,
a la lluvia, a su idioma de violín,
a la sílaba fría de la ráfaga.

Sí sí sí sí sí sí,
soy un desesperado pajarero,
no puedo corregirme
y aunque no me conviden
los pájaros a la enramada,
al cielo
o al océano,
a su conversación, a su banquete,
yo me invito a mí mismo
y los acecho
sin prejuicio ninguno:
jilgueros amarillos,
tordos negros,
oscuros cormoranes pescadores
o metálicos mirlos,
ruiseñores,
vibrantes colibríes,
codornices,
águilas inherentes
a los montes de Chile,
loicas de pecho puro
y sanguinario,
cóndores iracundos
y zorzales,
peucos inmóviles, colgados del cielo,
diucas que me educaron con su trino,
pájaros de la miel y del forraje,
del terciopelo azul o la blancura,
pájaros por la espuma coronados
o simplemente vestidos de arena,
pájaros pensativos que interrogan
la tierra y picotean su secreto
o atacan la corteza del gigante
o abren el corazón de la madera
o construyen con paja, greda y lluvia
la casa del amor y del aroma
o jardineros suaves
o ladrones
o inventores azules de la música
o tácitos testigos de la aurora.

Yo, poeta
popular, provinciano, pajarero,
fui por el mundo buscando la vida:
pájaro a pájaro conocí la tierra;
reconocí dónde volaba el fuego:
la precipitación de la energía
y mi desinterés quedo premiado
porque aunque nadie me pagó por eso
recibí aquellas alas en el alma
y la inmovilidad no me detuvo.



De: Una casa en la arena, (1956-1966)





.

Arte poética



Entre sombra y espacio, entre guarniciones y doncellas
dotado de corazón singular y sueños funestos,
precipitadamente pálido, marchito en la frente
y con luto de viudo furioso por cada día de vida,
ay, para cada agua invisible que bebo soñolientamente
y de todo sonido que acojo temblando,
tengo la misma sed ausente y la misma fiebre fría
un oído que nace, una angustia indirecta,
como si llegaran ladrones o fantasmas,
y en una cáscara de extensión fija y profunda,
como un camarero humillado, como una campana un poco ronca,
como un espejo viejo, como un olor de casa sola
en la que los huéspedes entran de noche perdidamente ebrios,
y hay un olor de ropa tirada al suelo, y una ausencia de flores,
-posiblemente de otro modo aún menos melancólico-,
pero, la verdad, de pronto, el viento que azota mi pecho,
las noches de substancia infinita caídas en mi dormitorio,
el ruido de un día que arde con sacrificio
me piden lo profético que hay en mí, con melancolía,
y un golpe de objetos que llaman sin ser respondidos
hay, y un movimiento sin tregua, y un nombre confuso.





De: Residencia en la tierra




PABLO NERUDA

BALLET KIROV EN EL TEATRO MARIINSKY . " EL LAGO DE LOS CISNES " POR RITA AMODEI

Ulyana Lopatkina (Odette/Odile)
Danila Korsuntsev (Sigfried)
Evgenia Obrazstova (petits cygnes pas de quatre)
Alina Somova, Viktoria Terechkina (grands cygnes)

BALLET DE LA OPERA NACIONAL DE PARIS .NUREYEV -PETIT PA - TCHAICOVSKY : " EL LAGO DE LOS CISNES " POR RITA AMODEI

Odette / Odile: Agnès Letestu
Le Prince Siegfried: José Martinez
Wolfgang / Rothbart: Karl Paquette
La Reine: Muriel Hallé

RUDOLF NUREYEV EN " LA CENICIENTA " . BALLET DE LA OPERA NACIONAL DE PARIS POR RITA AMODEI

BERNARD HAITINK DIRIGE A RENEE FLEMING . W. A. MOZART : " LAS BODAS DE FIGARO " POR RITA AMODEI

Las bodas de Fígaro (título original en italiano, Le nozze di Figaro) es una ópera bufa en cuatro actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en italiano de Lorenzo da Ponte, basado en la pieza de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, Le mariage de Figaro. Fue compuesta entre 1785 y 1786 y estrenada en Viena el 1 de mayo de 1786 bajo la dirección del mismo compositor.

Escrita en italiano, es considerada como una de las mejores creaciones de Mozart y como una de las óperas más importantes de la historia de la música. A pesar de recibir muchas críticas en su época, logró grandes éxitos en sus representaciones. Las bodas de Fígaro es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico estándar y aparece como la número 5 en la lista de Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo para el período 2005-2010.[5]

La trama se desarrolla en Sevilla (España).

BEVERLLY SILLS -FRANZ LEHAR : 2 LA VIUDA ALEGRE " - OPERETA POR RITA AMODEI

Conductor Theo Alcántara - 1977
Orchestra - San Diego Opera
Chorus - San Diego Opera
Hanna Glawari - Beverly Sills
Danilo Danilowitsch - Alan Titus
Camille de Rosillon - Nolan van Way
Valencienne - Glenys Fowles
Baron Mirko Zeta - Andrew (András) Foldi
Cascada - Vincent Russo
Raoul de St Brioche - Ryan Allen
Njegus - David Rae Smith
Bogdanowitsch - William Mallory
Sylviane - Mara Baygulova
Kromow - Timothy Braden
Olga - Jane Westbrook
Pritschitsch - Thomas Simmons
Praskowia - Melanie Sonnenberg
Lolo - Patricia Goodwin
Dodo - Melanie Sonnenberg
Jou-Jou - Cary Shipman
Frou-Frou - Mara Baygulova
Cio-Cio - Lizanne Maxfield
Margot - Jane Westbrook


Saltar a: navegación, búsqueda La viuda alegre
Die lustige Witwe

Portada de la partitura para piano de La viuda alegre, Viena, 1906
Forma Opereta
Actos y escenas 3 actos
Idioma original del libreto Alemán
Libretista Victor Léon, Leo Stein
Fuentes literarias basada en la comedia teatral L'attaché d'ambassade (1861) de Henri Meilhac
Estreno 30 de diciembre de 1905
Teatro del estreno Theater an der Wien
Lugar del estreno Viena
Duración 2 horas y 45 minutos
Música
Compositor Franz Lehár
Personajes
Barón Zeta, embajador del país imaginario de Pontevedro en Francia (tenor)
Conde Danilo Danilowitsch, vividor de Pontevedro (tenor)
Camille de Roussillon, enamorado de Valencienne (tenor)
Hanna Glawari, joven viuda de Pontevedro (soprano)[1]


La viuda alegre (título original en alemán, Die Lustige Witwe) es una opereta en tres actos con música del compositor austro-húngaro Franz Lehár y libreto en alemán de Victor Léon y Leo Stein basados en la comedia L'attaché d'ambassade (1861) de Henri Meilhac, relativa a una rica viuda, y el intento de sus paisanos de mantener su dinero en el principado encontrándole un buen marido. Fue estrenada en Viena el 30 de diciembre de 1905 y desde entonces es considerada una de las obras más importantes del género.

La opereta ha disfrutado de un éxito internacional extraordinario desde su estreno y sigue representándose y grabándose con frecuencia. En las estadísticas de Operabase aparece la n.º 22 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 1.ª en Hungría y la primera de Lehár, con 149 representaciones. Se han hecho adaptaciones al cine.

Entre los pasajes musicales conocidos se encuentra la "canción de Vilia", "Da geh' ich zu Maxim" ("Me encontraréis en el Maxim's") y el "Vals de la viuda alegre".

ANGELA GHEORGHIU - ROBERTO ALAGNA - RENE PAPES . CHARLES GOUNOD : ROMEO Y JULIETA . POR RITA AMODEI

Romeo y Julieta (título original en francés, Roméo et Juliette) es una ópera en un prólogo y cinco actos con música de Charles Gounod y libreto en francés de Jules Barbier y Michel Carré, basados en el famoso drama homónimo de Shakespeare. Fue estrenada en el Théâtre Lyrique (Théâtre-Lyrique Impérial du Châtelet), de París, el 27 de abril de 1867. Esta ópera sigue en el repertorio, aunque no está entre las más representadas; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 60 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 5.ª en Francia y la segunda de Gounod, con 72 representaciones. Destaca por su serie de dúos para los personajes principales y la canción de vals "Je veux vivre" para la soprano.

VALERY GERGIEV-OLGA BORODINA . MUSORGSKI :" BORIS GODUNOV " EN MARIINSKY POR RITA AMODEI

Ópera en 4 actos y un prólogo música y libreto de Modest Petróvich Músorgski
Borís Fiódorovich Godunov: Robert Lloyd
Maryna Mniszek: Olga Borodina
Grigori Otrépiev o Falso Dmitri: Alexei Steblianko
Pimen: Alexander Morosov
Varlaam: Vladimir Ognovenko
Misaíl: Igor Yan
Vasili Shuiski: Yevgeny Boitsov
Fiódor (zarévich) : Larissa Diadkova
Rangoni: Sergei Leiferkus
Xenia: Olga Kondina
Aya (niñera): Yevgenia Perlassova

Conductor: Valery Gergiev
Director: Stephen Lawless
Kirov Opera, St. Petersburgo 1990

RUDOLF NUREYEV . CHOPIN . LAS SILFIDES POR RITA AMODEI

Les Sylphides is a short, non-narrative ballet blanc. Its original choreography was by Michel Fokine, with music by Frédéric Chopin orchestrated by Alexander Glazunov. Glazunov had already set some of the music in 1892 as a purely orchestral suite, under the title Chopiniana, Op. 46. In that form it was introduced to the public in December 1893, conducted by Nikolai Rimsky-Korsakov.

The ballet, often described as a "romantic reverie",[1][2] was indeed the first ballet ever to be simply that.[1] Les Sylphides has no plot, but instead consists of many white-clad sylphs dancing in the moonlight with the poet or young man dressed in white tights and a black top.

Identifying the premiere of the fuller ballet poses a challenge. One might say that it premiered in 1907 at the Maryinsky Theatre in St. Petersburg as Rêverie Romantique: Ballet sur la musique de Chopin. However, this also formed the basis of a ballet, Chopiniana, which took different forms, even in Fokine's hands.[3] As Les Sylphides, what we consider the work was premiered by Sergei Diaghilev's Ballets Russes on 2 June 1909 at Théâtre du Châtelet, Paris. The Diaghilev premiere is the most famous, as its soloists were Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky (as the poet, dreamer, or young man), Anna Pavlova, and Alexandra Baldina. The London premier, in the first season of the Diaghilev Ballets Russes, was at the Royal Opera House, Covent Garden. With more sylph-like elusiveness, the North American premiere might be dated by an unauthorized version in the Winter Garden, New York, on 14 June 1911 (featuring Baldina alone from the Diaghelev cast). However, its authorized premiere on that continent, by Diaghilev Ballets Russes, was at the Century Theater, New York City, 20 January 1916, with Lopokova (who also featured in the unauthorized production five years earlier). Nijinsky danced it with that company at the Metropolitan Opera, 14 April 1916, where it was paired with a similar work to a piano suite (by Robert Schumann), Papillons, also choreographed by Fokine. Fokine also set the ballet for several other companies, and he and his wife, Vera Fokina, danced its leading roles themselves for some years.

LEVINE -PAVAROTTI -STRATAS - PONS - CROFT . LEONCAVALLO : " I PAGLIACCI " POR RITA AMODEI

Opera de un prólogo y dos actos con música y libreto de Ruggero Leoncavallo
Canio (Pagliaccio): Luciano Pavarotti
Nedda (Colombina): Teresa Stratas
Tonio (Taddeo): Juan Pons
Beppe (Arlecchino): Elijah Chester
Silvio: Dwayne Croft

Conductor: James Levine
Director: Franco Zeffirelli,

DMITRI SHOSTACOVICH - IGOR MARKIEVICH : SINFONIA Nº 5 POR RITA AMODEI

ANGELA GHEORGHIU ROBERTO ALAGNA - PUCCINI : LA RONDINE POR RITA AMODEI

La rondine (La golondrina) es una ópera en tres actos de Giacomo Puccini con libreto en italiano de Giuseppe Adami, basado a su vez en el libreto de Alfred Maria Willner y Heinz Reichert. Fue estrenada en el Théâtre de l’Opéra (también llamado Théâtre du Casino) en Montecarlo el 27 de marzo de 1917.

ComposiciónEn otoño de 1913, los directores del Carltheater de Viena encargaron a Puccini la composición de una opereta vienesa. Después de confirmar que podía asumir la forma de una ópera cómica sin diálogo hablado en el estilo de El caballero de la rosa, "sólo que más entretenida y más orgánica,"[1] se mostró conforme. Durante dos años la obra se fue desarrollando, a veces intensamente, otras con gran dificultad, y en la primavera de 1916 se terminó la ópera. El estreno, que se pretendía en Viena, fue impedido por el estallido de la Primera Guerra Mundial y la entrada de Italia en la alianza contra Austria-Hungría.

[SEeligió la Ópera de Montecarlo para estrenarla, con Gilda Dalla Rizza y Tito Schipa en los papeles principales.

En Italia, Puccini ofreció la obra a su editor Tito Ricordi quien rechazó comprarla, de manera que fue el rival de Ricordi, Lorenzo Sonzogno, obtuvo el derecho de dar la primera representación fuera de Austria y trasladó el estreno al territorio neutral monegasco. En el estreno en Montecarlo en 1917 la recepción inicial por el público y la prensa fue cálido. Sin embargo, a pesar del valor artístico de la partitura de La rondine ha sido una de las obras menos exitosas de Puccini; "En términos de taquilla, fue la prima pobre de otros grandes éxitos."[1] No hay una versión definitiva de ella, Puccini quedó insatisfecho, como ocurre a menudo, con el resultado de su obra; la revisó muchas veces, hasta el punto de hacer tres versiones (1917, 1920, 1921), con dos finales completamente diferentes, pero murió antes de decidir claramente cual iba a ser la versión final. La segunda versión se estrenó en el Teatro Massimo, Palermo en 1920, mientras que la tercera no se vio hasta el año 1994 en Turín. Más aún, un incendio en los archivos de Casa Sonzogno causado por el bombardeo aliado durante la guerra destruyó partes de la partitura que tuvo que ser restaurada basándose en los arreglos para piano y voz que sobrevivieron. La orquestación de la tercera versión fue finalmente terminada en auténtico estilo pucciniano por el compositor italiano Lorenzo Ferrero a petición del Teatro Regio de Turín y posteriormente interpretado allí el 22 de marzo de 1994.

La historia moderna de las representaciones de La rondine en Europa incluye el estreno de la tercera versión en el Teatro Regio de Turín (1994), así como representaciones en La Scala (1994), Leeds Opera North (1994, 2001), Oper Bonn y el Teatro de Ópera de Ludwigshaven (1995), Teatro del Giglio en Lucca (1998), Teatro Filarmonico di Verona (2002), Kansallisooppera, Helsinki (2002, 2003, 2007), Royal Opera House, Covent Garden, Londres (2002, 2005), Théâtre du Châtelet, París (2005), Opéra de Monte-Carlo (2007), y La Fenice en Venecia donde fue el título inaugural de la temporada de 2008. En los Estados Unidos, las grandes producciones se vieron en la Ópera Nacional de Washington (1998), la Ópera de Los Ángeles (2000, 2008), la Ópera de Atlanta (2002), la Ópera Lírica de Boston (2003), la New York City Opera (2005), la Ópera de Dallas (2007), la Ópera de San Francisco (2007), la Ópera de Sarasota (2008) y en el Met de Nueva York (2008).

Tras el estreno de una nueva producción conjunta por el director Nicolas Joël en la Royal Opera House en 2002 (protagonizada por la soprano Angela Gheorghiu como Magda) y en el Théâtre du Capitole de Toulouse, La rondine se vio en el Théâtre du Châtelet, repuesto en la Royal Opera House en 2005, y presentado por la Ópera de San Francisco en 2007[2] , todas con Gheorghiu. El 31 de diciembre de 2008, de nuevo con Gheorghiu como Magda, el Met en Nueva York dio la primera representación escénica de la compañía en 70 años. La representación de matinée el 10 de enero de 2009 fue retransmitida en HD a los cines y escuelas de todo el mundo.

ANTOLOGIA LIRICA . VERDI . MACBETH . NELLO SANTI CON BRUSONE - DMITROVA POR RITA AMODEI / CORTECIA REINA ELIZABETH II

Conductor Nello Santi
Orchestra - Arena di Verona
Chorus - Arena di Verona
Macbeth - Renato Bruson
Lady Macbeth - Ghena Dimitrova
Banco - Bonaldo Giaiotti
Macduff - Ernesto Veronelli
Malcolm - Giuseppe Zecchillo
Dama - Luisella Ciaffi Ricagno
Medico - Luigi Risani

BALLET DEL TEATRO BLOSHOI DE MOSCU . GLAZUNOV : RAYMONDA POR RITA AMODEI

Raymonda es un ballet en tres actos, con música de Alexander Glazunov y coreografía de Marius Petipa, estrenado en el Teatro Marinsky de San Petersburgo, Rusia, el 19 de enero de 1898. El reparto original estaba encabezado por Pierina Legnani (Raymonda) y Sergei Legat (Jeanne de Brienne).

Contexto histórico y político del estrenoLa narración de la obra, en la que un príncipe cruzado y un abominable sarraceno luchan por el amor de Raymonda, parece ser una expresión cultural del expansionismo de la Rusia Imperial en Asia, en pleno apogeo en tiempos del debut de este ballet. Hay que recordar que en aquel entonces las tropas del zar se internaban en los antiguos dominios de Persia y en las fronteras con China. El mismo año del estreno se producía en la costa china la Rebelión de los Bóxers, tras la cual la intervención rusa en los asuntos orientales se hará más decidida y fuerte.

Por lo mismo, este ballet encierra cierto contenido racista e imperialista. Pero al mismo tiempo, es expresión del modernismo en boga, que reelabora elementos exóticos y orientales con fines meramente estéticos.

CON ESTE BALLET HOMENAJEAMOS AL DR VLADIMYR PUTIN COMO RECIEN ELECTO PRESIDENTE DE LA FEDERACION RUSA

WELCOME ROLANDO VILLAZON . MASSENT . WERTHER POR RITA AMODEI

Werther - Rolando Villazon
Charlotte - Marie-Ange Todorovitch
Sophie - Valérie Condoluci
Albert - André Cognet
Le Bailli - Michel Trempont
Johann - Jean-Luc Ballestra
Schmidt - Jairo Nuñez Díaz

Conductor - Patrick Fournillier
Orchestra - Orchestre Philharmonique de Nice
Chorus - L'Opéra de Nice

TEATRO BOLSHOI DE MOSCU . TRES ESTRELLAS : TRES MASTER CVLASSE DE BALLET POR RITA AMODEI

CORTECIA SEÑOR PRESIDENTE DE LA FEDERACDION RUSA VLADIMYR PUTIN

ANTOLOGIA LIR5ICA . VERDI " MACBETH " .. DIRECCION : CLAUDIO ABBADO . CON GHIAUROV - VERRET - CAPPUCCILI POR RITA AMODEI

Piero Cappuccilli (Macbeth)
Shirley Verrett (Lady Macbeth)
Nicolai Ghiaurov (Banco)
Veriano Luchetti (Macduff)
Antonio Savastano (Malcolm)
Stefania Malagù (Dama di Lady Macbeth)
Giovanni Foiani (Medico)
Carlo Meliciani (Domestico di Macbeth)
Giuseppe Morresi (Sicario)
Alfredo Giacomotti (Prima apparizione)
Milena Pauli (Seconda apparizione)
Enrico Mazzola (Terza apparizione)

Orchestra e Coro del Teatro alla Scala
Claudio Abbado

Direttore del Coro: Romando Gandolfi
Scene e costumi di Luciano Damiani
Movimenti mimici: Marise Flach
Regia di Giorgio Strehler

ESTE VIDEO ES CORTECIA DE SU MAJESTAD REINA ELIZABETH DE INGLATERRA PARA ESTE BLOG .

NATALIE DESSAY- JUAN DIEGO FLOREZ :BELLINI ." LA SONAMBULA " POR RITA AMODEI- PRODUCCION MARY ZIMMERMANN

Opera semiseria en dos actos de Vincenzo Bellini, libretos de Felice Romani.
Amina: Natalie Dessay
Elvino: Juan Diego Flórez
Conde Rodolfo: Michele Pertusi
Lisa: Jennifer Black
Alessio: Jeremy Galyon
Teresa: Jane Bunnell
Notario: Bernard Fitch

Conductor: Evelino Pidò

JORDI SAVALL EN CONCIERTO . RAMEAU LAS INDIAS GALANTES Y LAS BOREADES POR RITA AMODEI

JUAN DIEGO FLOREZ II PARTE

JUAN DIEGO FLOREZ - DIANA DAMRAUN . ROSSINI : LE COMTE ORY POR RITA AMODEI

El conde Ory (título original en francés, Le Comte Ory) es una ópera cómica en dos actos con música de Gioachino Rossini y libreto en francés de Eugène Scribe y Charles-Gaspard Delestre-Poirson, según su vodevil Le Comte Ory del año 1817, inspirado a su vez en una balada medieval. Se estrenó en el Théâtre de l'Académie Royale de Musique, París, el 20 de agosto de 1828.[5]

Parte de la música procede de su ópera El viaje a Reims escrita tres años antes para la coronación de Carlos X.[6] La obra es ostensiblemente una ópera cómica en el sentido de que la historia es humorística, incluso pura farsa. Sin embargo, se pensó más en la Opéra que en el Teatro de la Opéra-Comique y hay inconsistencias estructurales con el género contemporáneo de la opéra comique: mientras que esta última está formada por números líricos relativamente cortos y diálogo hablado, El conde Ory está formado por "altamente desarrolladas, incluso macizas formas musicales unidas por recitativo acompañado.[7] Aunque la ópera contiene parte de la escritura orquestal más colorida de Rossini, la pintoresca y breve obertura es extrañamente contenida y sin pretensiones, acabando con un susurro de cuerdas en pizzicato





Count Ory - Juan Diego Flórez
Countess Adèle - Diana Damrau
Isolier - Joyce DiDonato
Raimbaud - Stéphane Degout
Tutor - Michele Pertusi
Alice - Monica Yunus
Ragonde - Susanne Resmark
Courtier - Tony Stevenson
Courtier - Tyler Simpson
Prompter - Rob Besserer

NATALIA MAKAROVA . ANTHONY DOWELL : EL LAGO DE LOS CISNES POR RITA AMODEI

El lago de los cisnes op. 20 (en ruso: Лебединое Озеро, Lebedínoye óziero) es el primero de los tres ballets que escribió el compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovski (1840-1893).

Originalmente encargado al maestro por la Ópera de Moscú, este ballet es uno de los más conocidos. Su primera presentación tuvo lugar en el Teatro Bolshói de Moscú con la coreografía de Julius Reisinger el 4 de marzo de 1877. Paradójicamente, no fue muy aceptado en su momento. Sin embargo, el 15 de enero de 1895, con la nueva coreografía de Marius Petipa y de Lev Ivanov esta obra logró un gran éxito en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. Marius Petipa se encargó del primer y tercer acto (actos en el castillo) y Lev Ivanov del segundo y cuarto acto (actos del lago).

MARIA GULIEGINA .PUCCINI :MANON LESCAUT POR RITA AMODEI

Forma Drama lírico
Actos y escenas 4 actos
Idioma original del libreto italiano
Libretista R. Leoncavallo, M. Praga, D. Oliva, L. Illica, G. Giacosa, G. Ricordi y G. Adami
Fuentes literarias novela del abate Prévost: Historia del caballero des Grieux y de Manon Lescaut (1731)
Estreno 1 de febrero de 1893
Teatro del estreno Teatro Regio
Lugar del estreno Turín
Duración 2 horas
Música
Compositor Giacomo Puccini
Personajes
Manon Lescaut (soprano)
Il Cavaliere Renato des Grieux, amante de Manon (tenor)
Lescaut, hermano de Manon (barítono)
Geronte di Ravoir, pretendiente rico de Manon (bajo)
Edmondo, amigo de Des Grieux (tenor)[1]


Manon Lescaut es una ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano escrito sucesivamente por varias personas: Ruggiero Leoncavallo, Domenico Oliva, Marco Praga, Giuseppe Giacosa, Luigi Illica, Puccini y Giulio Ricordi. Está basada en la obra L'historie du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut (1731) del Abad Prévost, que fue de inspiración también para la ópera Manon de Jules Massenet. El editor, Giulio Ricordi, y el propio compositor también contribuyeron al libreto. Tan confusa fue la autoría del libreto que nadie aparece acreditado en la portada de la partitura original. Fue estrenada 1 de febrero de 1893 en el Teatro Regio de Turín.

Puccini cogió algunos elementos musicales usados en Manon Lescaut de anteriores obras que él había escrito. Por ejemplo, el madrigal Sulla vetta tu del monte del acto segundo refleja el Agnus Dei de su Misa a cuatro voces de 1880. Otros elementos de Manon Lescaut proceden de su composición para cuerdas: el cuarteto Crisantemi (enero de 1890), tres Minuetos (probablemente de 1884)[2] y un Scherzo (1883?). El tema de amor procede del aria Mentia l'avviso (1883).

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El editor de Puccini, Ricordi, se había mostrado disconforme con cualquier proyecto que se basara en la historia de Prévost porque Massenet ya la había usado con éxito en Manon (1884). Y, posiblemente desconociéndolo Puccini y Ricordi, el compositor francés Daniel Auber, también había escrito ya una ópera con el mismo título, Manon Lescaut, en 1856.

A pesar de todas las advertencias, Puccini siguió adelante. "Manon es una heroína en la que creo y por lo tanto no puede dejar de ganar el corazón del público. ¿Por qué no van a existir dos óperas sobre Manon? Una mujer como Manon puede tener más de un amante." Añadió, "Massenet la siente como francés, empolvada y con minués. Yo la sentiré como italiano, con una pasión desesperada."

La primera representación de Manon Lescaut tuvo lugar en el Teatro Regio de Turín en el año 1893. Manon Lescaut fue la tercera ópera de Puccini y su primer gran éxito. Tanto el público como la crítica aceptó muy bien la ópera. Se presentó ese mismo año en San Petersburgo, Madrid, Hamburgo y Sudamérica. En 1894 llegó a Londres, Lisboa, Praga, Budapest, Filadelfia y México. A Francia llegó después, por la evidente rivalidad con la obra de Massenet, presentándose primero en Niza, en 1909, y finalmente en París, en 1910 (dirigida por Arturo Toscanini y cantada por Bosi y Enrico Caruso).

Se mantiene como una de las óperas más apreciadas de Puccini y es grabada y representada con regularidad. En las estadísticas de Operabase aparece la n.º 40 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 21.ª en Italia y la quinta de Puccini, con 99 representaciones.

AGRADECIMIENTO .

MUCHAS SON LAS PERSONAS QUE TIENEN LA GENTILEZA DE ESCRIBIR SUS COMENTARIOS EN ESTE BLOG Y AUN ESCRIBIRME A MI MAIL .

EN Iº LUGAR LE DOY LOA BIENVENIDA A LA SEÑORA BONAF LIDER DE LAS MUJERES AMAS DE CASA EN ARGENTINA . PARA MI UN HONOR QUE INGRES A ESTE BLOG COMPARTA LA MUSICA .

DESDE MI CORAZON Y DESDE EL RECUERDO DOY LAS GRACIAS A LA SEÑORA NORMA LEANDRO : MAESTRA DE ACTRICES Y ACTORES YO TUVE EL PRIVILEGIO DE ESTUDIAR CON SUS PADRES Y SU HERMANA EN EL TEATRO ESCUELA ARGENTINO .

LO QUE APRENDI CON PEDRO ALEANDRO , MARIA LUISA ROBLEDO Y MARIA VANER Y MARIA JULIA CORTONA EN DECLAMACION ESTA GRAVADO A FUEGO EN MI SER . PEDRO ALEANDRO Y MARIA LUISA ROBLEDO SON PIEDRAS ANGULARES EN LA HSITORIA DEL ARTE DRAMATICO ARGENTINO QUEINES DESDE ESPAÑA NOS TRAJERON LA MAGNIFICENCIA DE SU TALENTO INTERPRETATIVO Y SU DEDICACION DOCENTE . DE TALES PADRES NACIERON DOS GENIALES ACTRICES , NORMA ALEANDRO Y MARIA VANER .

U N RECUERDO SIEMPRE VIVO PARA MARIA VANER : COMO ERA UNHA PERSONA EXTRAORDINARIA , SUPERLATIVAS FUERON SUS CONDICIONES COMO ACTRIZ Y SUS APORTES AL SECRETO EDUCATIVO DE LA INTERPRETACION TEATRAL .

HABLAR DE NORMA ALEANDRO ES UNA REDUNDANCIA , PORUQE COMO TODO GENIO ES VIVO POR LO TANTO VITAL . COMO ES UNA CTRIZ MARAVILLOSA RECREARA A MARIA CALLAS EN EL TEATRO CON SABER ESCENICO , CONOCIMIENTO Y ENTREGA TOTAL EN LO PERSONAL .

DESDE AQUI LE DESEAMOS A NORMA ALEANDRO LO MEJOR PARA SU VIDA PROFESIONAL Y PERSONAL Y SABEMOS QUE EL EXITO EN EL ROL DE MARIA CALLAS ES SUYO -

RITA AMODEI